Historia de la Música 2, Segunda Parte

Período Contemporáneo (continuación)

Período Contemporáneo (Continuación)

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En el Período Contemporáneo no hay formas musicales, como ya se había mencionado, si no tendencias o escuelas   entre las que se pueden señalar:

Impresionismo:  Es un movimiento estilístico que floreció hacia finales del siglo XIX e inicios del siglo XX.  Se dio principalmente en la música francesa y se refería a las obras en las cuales el artista plasma la sensación o impresión que le ha causado alguna situación.    Tomó su nombre de una exposición de pinturas que se denominaba "De las Impresiones".   Fue encabezado por el compositor francés Claude Aquiles Debussy quien se vio influenciado por los pintores impresionistas franceses.  El continuador francés de esta corriente composicional fue Mauricio Ravel.

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Expresionismo:  Es considerada la antítesis del Impresionismo.  Surgió hacia los años 1914 - 1918 en el transcurso de la Primera Guerra Mundial, y permitió a los artistas expresar los miedos y ansiedades de la humanidad del siglo XX.   Las obras se caracterizaron por ser intensas, musicalmente complejas y de una estructura muy estudiada.  Se evitaba en ella las armonías tradicionales y se hacía uso de las disonancias y la atonalidad.   Sus líneas armónicas forman a menudo una estructura tan densa que hacen irreconocible la melodía.   Las primeras evidencias de esta tendencia musical las encontramos en las obras de algunos músicos del romanticismo tardío tales como el alemán Richard Wagner y el austriaco Gustav Mahler.   Entre los representantes de esta tendencia musical podemos señalar a Ricardo Strauss, Alban Berg y Arnold Schoenberg -entre otros-.    En el Ciclo de canciones Pierrot Lunaire (1912)  Arnold Schoenber abandona todas las reglas con el objeto de lograr, para su expresión musical, la más absoluta independencia.

Periodo Contemporáneo

Período Contemporáneo

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Se denomina de esta forma la época de la historia musical que se desarrolla a partir de los inicios del siglo XX.  También se conoce con el nombre de Período Moderno.   Pero en el sentido más amplio, se denomina música contemporánea a cualquier música que se escribe en nuestro presente.  En el marco de la música académica se refiere a la música compuesta en la segunda parte del siglo XX.    Aún hoy en día se discute acerca de si este término debe aplicarse a la música de cualquier estilo, o si únicamente a las composiciones de música de vanguardia.  

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El término Contemporáneo, en diversos círculos académicos más restrictivos, se le aplica únicamente a la producción musical de aquellos compositores, y a ellos mismos, si aún están con vida.  El problema de este término es que hace referencia más que nada a un marco de tiempo más que a un estilo de composición o de creación.

 

Características de la Música Contemporánea:

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-  Música disonante por excelencia

-  Originalidad a toda costa

-  Cambios de ritmos muy frecuentes

-  Marcada influencia del jazz

-  Absoluta libertad en cuanto a la  forma

-  Más que formas musicales se manifiestan tendencias o escuelas musicales

- Utilización y manipulación del las vibraciones del sonido a través de medios electroacústicos

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Uno de los mayores problemas para la apreciación de la música contemporánea por parte de la gran mayoría de las personas se relaciona con la melodía.  Recordemos que la melodía es esa serie de sonidos relacionados que nos permite reconocer una composición.    Pero el compositor contemporáneo no se siente llevado a adaptar su melodía a los esquemas estandarizados de cuatro u ocho compases.  No completa una frase hasta llegar a cuatro u ocho compases sólo porque la frase anterior tenía esa extensión.  Expone una cosa sólo una vez, antes que dos o tres.  Al abandonar la simetría y la repetición espera conseguir una melodía vibrante y tensa, en la que se ha eliminado todo lo superfluo.  Ese género de melodía exige una infatigable atención de parte del oyente, pues sus frases recortadas no revelan fácilmente su significado.   La melodía contemporánea no se desenvuelve sobre un fondo de acordes y escalas familiares.  No se mueve dentro de los ritmos a que estábamos acostumbrados.  La música académica de los últimos años encierra varios estilos que van desde firmemente conservador hasta radicalmente extremo.  Cuando los oyentes acusan a la música del Período Contemporáneo de haber abandonado la melodía, lo que en realidad quieren decir es que ha abandonado los puntos de referencia familiares a los cuales se atenían para poder reconocer una melodía.

Clase del sábado 30 de septiembre (Historia II)

Período Contemporáneo

El Jazz

El Jazz

 

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Primeramente es importante hacer una reseña del por qué de la existencia de personas de tez negra en las tierras Americanas.  

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 Hacia  mediados  del  siglo  XV el comercio de esclavos se encontraba en pleno auge; la  compraventa de personas  de tez negra era un negocio floreciente.  Se calcula que en cuatrocientos años aproximadamente se llegó a vender más de quince millones de negros africanos, distribuidos muy hábilmente a lo largo del continente por los negreros que se encargaban de tan inhumanas transacciones.  Un gran porcentaje de esta masa humana fue empleada para la recolección del tabaco y algodón y en otras ocupaciones menos "honorables".  

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Cuando el negro concluía su dura jornada laboral, gustaba de reunirse con sus compañeros de esclavitud con el fin de dar gracias a Dios de, por lo menos, continuar con vida.  Estas acciones de gracias eran ofrecidas por medio de antiguas canciones de sus antecesores, ayudándose con el ritmo que les proporcionaban algunos elementos que tenían a su alcance -y que les servían para otras actividades- tales como tablas de lavar,  palanganas, platos, cucharas,  huesos de animales,  etc., o si no de sus propias manos.

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Entre todos ellos, destacaba una opulenta negra que entonaba con tristeza algún nostálgico "spiritual”.  Ella recibía el nombre de  "Mammy.   El sentimiento de un grupo de jóvenes que no se resignaba a vivir el resto de su existencia en la esclavitud es manifestado en las notas de un agresivo "blues".  Esta fue en esos inicios la esencia de estas formas musicales.  

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El esclavo negro lleva la música y el ritmo en sus venas.  Baila y canta por cualquier circunstancia:  cuando trabaja, cuando reza, cuando recibe promesas por parte del amo ( promesas  que  nunca  se cumplen ).   Las  brigadas  de   trabajo   cantan cuando  se dirigen de regreso hacia sus barracones, las funciones religiosas se convierten en auténticos mítines sonoros en las cuales se exhorta al Señor (Dios) para que libere al pobre negro del yugo al que se ve forzado.  No es extraño, pues,  que cuando a finales del siglo XIX la población negra de Norteamérica adquiere por fin ciertas prerrogativas que la equipara (salvando las lógicas distancias) con sus congéneres blancos, sobrevenga la explosión de alegría que se dio, principalmente,  en distintas ciudades del sur.     

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El nacimiento del jazz se pierde en esa confluencia de formas y estilos musicales de la cultura afroamericana que se produce a finales del siglo XIX: el gospell, el blues, el ragtime, las marchas militares, la música de baile europea....Toda esta mezcla creará el transfondo sobre el que Jerry Roll Morton se permitiría autoproclamarse “inventor del jazz”.  

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Hay varias hipótesis sobre el significado de la palabra Jazz, aunque a ciencia cierta no se sabe qué es lo que significa:  podría derivar del nombre de un músico negro:  Jazzbo; del francés jaser (tartamudear); de la pronunciación americana del nombre Charles, poco a poco convertido en Chaz y después en Jazz; de Razzban (conjunto instrumental de color), de algún sonido onomatopéyico de instrumentos musicales  ó de un monosílabo de una lengua africana que tendría un significado sexual.  

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Entre los elementos que ayudaron a  la difusión y expansión del Jazz encontramos los Riverboats, que eran grandes barcos de vapor que surcaban las aguas del río Mississippi y ríos aledaños, y que brindaron trabajo a infinidad de músicos que llevaron el jazz a las poblaciones  que le  servían de escalas en su recorrido.  En estos Riverboats se servían suculentas comidas y excelentes vinos.  Se organizaban lujosas fiestas a las cuales acudían las personas más reconocidas de la sociedad sureña y en las que se escuchaba la mejor música de jazz interpretada por orquestas de negros. 

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Las primeras bandas de Jazz aparecieron en New Orleans.  Con estas bandas, que se derivaron de las antiguas bandas de marchas que acompañaban los entierros y otros acontecimientos, el Jazz se manifestó en toda su esencia, es decir, no tanto como un estilo de composición sino más bien como un estilo de interpretación.   

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El ingrediente básico en las interpretaciones de Jazz fue la improvisación, a cargo de un solista o a cargo del grupo completo que tejía tonadas caprichosas en torno a una melodía básica creada.   Después de 1,910, el jazz comenzó a trasladarse hacia el norte del territorio.  Con las giras efectuadas por los grandes músicos de New Orleans comenzó el auge de esta forma musical, principalmente en Chicago, en donde en sus centros nocturnos se contrataron bandas de Jazz conformadas por músicos de New Orleans.  Fue en Chicago en donde surgieron las primeras bandas de Jazz de blancos, tal como la "Original Dixieland Jazz Band".  

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En los años  veinte,  el jazz se tomó por asalto a los Estados Unidos.  Adquirió tanta popularidad que muchos historiadores de la música bautizaron esta época como "la era del jazz".  La fuente de su éxito se puede encontrar en diversos razones; una de ellas, sin duda, radicó en el talento colosal de los artistas que lo dieron a conocer. Es en el barrio criollo de la ciudad de New York en donde se establecen las bases, se cimienta la gloria futura y se dictan las normas del movimiento jazzístico más puro.  De ahí proceden personajes tan legendarios como Louis Armstrong, Jelly Roll Mortón y King Oliver, entre otros.  Eran fruto de la miseria, nietos -o incluso hijos- de esclavos.  Sin ellos saberlo, gracias al esfuerzo de su talento creador, estaban escribiendo una parte de la historia musical de su país de adopción y del mundo entero.  

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Algunos estilos de Jazz: 

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Los espirituales negros (negro-spirituals) eran canciones de contenido religioso, espontáneas y con simbología bíblica creadas por los esclavos negros de Estados Unidos.

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El Blues es un tipo de canción o de composición instrumental de carácter nostálgico que representa el amor y el dolor de los negros. Se consigue alterando la tercera y séptima notas en una melodía tonal (blue note). El Blues ha sido la aportación más elocuente de los negros en Estados Unidos al mundo de la música, una influencia primordial en el Jazz y, desde los años 50, en el Rock.  

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El Ragtime (compás rasgado y arrebatado),  es un tipo de música muy sincopado, de tonada sencilla.  Se define como música pianística de ritmo caprichoso.  Se basa en un ritmo zapateado de los negros que se denomina Rag o Raggin.   El pianista y compositor más famoso del Rag fue Scott Joplin (1868 - 1917).  

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El Dixieland, que unía elementos del Ragtime y el Blues, más sus propias improvisaciones, nace del término “Dixie” que originalmente era  el título de una canción escrita por Daniel Emmett en 1859.  El dixieland es un estilo de Jazz  que logró ser cultivado por personas de raza blanca.  La primera de las bandas de Jazz de raza blanca fue la Original Dixieland “Jass” Band.

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Los Minstrel Shows:  Eran espectáculos musicales en los cuales había una fusión de canto, danza y sketchs cómicos.  Fueron una parodia de los cantos y espirituales negros transformados por compositores blancos y actuados por blancos pintados de negros en los que había una clara connotación racista, y se llegó al extremo que en los últimos años de este género actuaban negros pintados de negros al igual que lo hacían los blancos actuando de negros.  Uno de los personajes que destaca en este género musical es Al Jolson, que actuó en la primera película sonora (The Jazz singer), pero su fama la hizo (para pena de su familia, pues su padre era el cantor de la sinagoga) cantando con la cara pintada de negro y sus guantes blancos, en una supuesta parodia de un cantante negro.

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El Ballet y la Danza

El Ballet y la Danza

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Desde los primeros tiempos de la humanidad, el hombre sintió la necesidad de expresar sus sentimientos y emociones a través del movimiento, actitud que dio origen a lo que identificamos como DANZA.

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Con el tiempo las danzas fueron evolucionando hacia los bailes populares y demás manifestaciones danzísticas que se han dado en la historia musical: Bailes de salón, Bailes campesinos, etc.
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Los orígenes de la Danza Cortesana los encontramos en los espectáculos de las cortes italianas renacentistas, en donde el baile estuvo presente como una forma de entretenimiento y diversión de los nobles. Debido al papel preponderante que estos tenían en los acontecimientos sociales, estas personas estaban casi obligados a bailar bien, razón por la cual se preocupaban por aprender este bello arte.
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Los primeros manuales de danza se deben a maestros italianos que viajaron por todas las cortes enseñando las danzas y los pasos de moda.

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A medida que la danza se hacía más complicada y los pasos demasiado difíciles para los cortesanos aficionados, hubo personas que se fueron especializando en el estudio de la misma, llegando a ser bailarines profesionales que profundizaron y desarrollaron técnicas nuevas y adecuadas al nuevo nivel alcanzado.   Este baile o danza más profesional tomó el nombre de BALLET.  Este nombre se deriva del italiano Ballare que significa Bailar.

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La primera academia de Ballet y Danza fue fundada en Francia por el Rey Luis XIV (1,661) que era más conocido con el nombre de "Rey Sol". Con esto, los espectáculos de danza de las cortes se fueron haciendo más espléndidos y complejos.   Jean Baptiste Lully fue nombrado por el Rey Luis XIV como director de espectáculos musicales de la Academia, su colaborador, Pierre Beauchamps, profesor de danza del mencionado rey, está considerado como el codificador de las posiciones en que se basa toda la enseñanza del Ballet.

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Con la danza pueden alcanzarse niveles de éxtasis y de especial sensación, que en la antigüedad eran atribuidos a un poder mágico, por lo cual, la misma -al igual que la música- fue integrada a los acontecimientos religiosos y sociales importantes de las culturas.
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El Ballet alcanzó gran difusión y desarrollo en diversos países por lo que los músicos de los mismos comenzaron a crear música específica para ballet, tal es el caso de: "Giselle" del compositor francés Adolph Adam, "El Lago de los Cisnes", "La Bella Durmiente", "El Cascanueces", etc. del compositor ruso Peter Illich Tchaikovsky, "El Pájaro de Fuego" de Stravisky, etc.
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Es necesario señalar el papel importantísimo que en el desarrollo del Ballet ha jugado el famoso "Ballet Ruso" que aportó a este género nueva vida, color y mayor libertad de movimientos, así como de sus legendarios bailarines, por ejemplo: Ana Pavlova, Tamara Karsavina, Vaslav Nijinsky y Adolfh Bolm.
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En los últimos años ha surgido la Danza Moderna como una rebelión contra las formas rígidas del Ballet Clásico. En lugar de utilizar los "tutús" y las zapatillas de punta del Ballet clásico se bailaba -por ejemplo- con túnicas holgadas y descalzo. Dos nombres deben mencionarse como impulsadores de este género:  Isadora Duncan y Martha Graham.  La bailarina norteamericana Martha Graham logró la supremacía del nuevo estilo a partir de la década del 40 y sus enseñanzas han sido decisivas para la expansión y aceptación de la danza moderna en gran parte del mundo.
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Dora Angela Duncan, conocida como Isadora Duncan, nació en San Francisco, California,  el  27 de mayo de 1878  y murió en Niza, Francia, el  14 de septiembre de 1927.

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 Sus padres se divorciaron cuando ella tenía poco tiempo de haber nacido, siguiendo una serie de eventos que culminaron en el encarcelamiento de su padre, acusado de un fraude bancario. La madre de Duncan se encargó de su educación, en la que predominaba la música de Mozart, Schubert y Schumann. Cuando Isadora llegó a la adolescencia, la familia se mudó a Chicago, lugar en donde Duncan estudió danza clásica. En un incendio, la familia pierde todo y se muda nuevamente, esta vez a Nueva York, donde Duncan ingresa a la compañía de teatro del dramaturgo Augustin Daly.   Al cumplir Duncan 21 años, la familia se traslada a Londres, donde Duncan entra a estudiar artes al Museo Británico..Su estilo de danza era completamente nuevo y rompía con la rigidez del ballet clásico, además de utilizar música de concierto, que originalmente no había sido compuesta para ser bailada. En una Europa donde florecían las vanguardias en todas las artes, Duncan recibió una muy buena acogida. Fundó compañías de danza en varios países europeas, incluyendo Alemania, Francia y Rusia; y tuvo como alumnas a Martha Graham y Mary Wigham.

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La tragedia de su vida empieza en 1913 cuando sus hijos Diedre (7 años) y Patrick (2 años) mueren en un accidente de automóvil en Paris. En sus últimos años, la bailarina se estableció en Niza, Francia, donde pereció en 1927 en un accidente con su propio automóvil, al estrangularla su bufanda atorada en la llanta.

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Martha Graham nació el 11 de mayo de 1894 y murió el 1 de abril de 1991.  Fue una bailarina y coreógrafa estadounidense reconocida como una de las más grandes innovadoras en la danza moderna. 

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Nació en Pittsburgh, Pennsylvania y se mudó a California siendo una niña. Después de ver a Ruth St. Denis bailar en los años 1910, tomó un interés por el baile. No fue sino hasta los 22 años (1916) que se interesó profesionalmente, entrando en el Denishawn. En 1925, Graham se convirtió en instructora de baile en la Escuela de Música y Teatro Eastman en Rochester, Nueva York. Se abrió paso sola, pero con el constante apoyo de Louis Horst, un acompañante al cual ella conoció mientras estudiaba en Denishawn y que se convirtió en su amante y mentor musical. En 1926 Graham fundó su propia compañía, La Compañía de Danza Martha Graham. Su estilo único de danza moderna reflejaba el arte moderno de su época. Las presentaciones de Graham la hicieron famosa por sus innovaciones en la danza moderna. El estilo de Martha Graham es ampliamente reconocido por sus características contracción y relajación, la caída al piso controlada, los saltos del hombre, y un desarrollo de imágenes que van con los movimientos.

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Estudió danza moderna en la compañía de Isadora Duncan.

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En 1936 llegó el trabajo definitivo de Graham, que marcó el comienzo de una nueva era en la danza contemporánea. "Steps in the Street" trajo serios problemas al escenario para el público en general de manera dramática. Influenciada por el desplome de Wall Street, la Gran Depresión y la Guerra Civil Española, la danza se enfocó en la depresión y el aislamiento, reflejados en las oscuras escenografías y vestuarios. Esto definió el nuevo estilo de baile, y fijó el estándar que muchos coreógrafos siguen hoy en día.

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La vida en el baile de Graham gradualmente llegó a un descanso comenzando en los años 1950. En 1948, el Centro Martha Graham de Danza Contemporánea fue establecido. Una de sus estudiantes era la heredera Bethsabée de Rothschild de la cual se hizo amiga cercana. Cuando Rothschild se mudó a Israel y estableció la Compañía de Danza Batsheva en 1965, Graham se convirtió en la primera directora de la compañía, preparó a la primera generación de bailarines, y coreografió trabajos exclusivos para el grupo israelí.

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Su última presentación de danza llegó a finales de los años 1960, y después de eso se enfocó en la coreografía. Algunos críticos dicen que aunque hay poco registro existente de sus bailes, éstos son más memorables que su trabajo como coreógrafa.Fue premiada con la Medalla Presidencial de la Libertad en 1976 por el presidente de los Estados Unidos Gerald Ford (la Primera Dama Betty Ford, había bailado con Graham en su juventud).

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Graham continuó trabajando en el arte hasta que en 1991 murió por causas naturales a los 96 años.  En 1998, la revista TIME, la nombró "Bailarina del Siglo", y una de las personas más importantes del siglo XX.

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Ópera, opereta y zarzuela

La ópera

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Los inicios de la ópera los encontramos entonces con la Camerata Florentina, en Italia, en donde pensadores, literatos, nobles y artistas la integraban.  Uno de ellos, Jacobo Peri es considerado el autor del primer ensayo operístico:  Dafne o Dafnis, que lamentablemente no se ha encontrado completo.   Pero es a Claudio Monteverdi a quien hay que señalar como el compositor con el cual esta forma musical logra demostrar sus grandes posibilidades de éxito económico, ello con la obra:  Orfeo. 

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La opereta
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La palabra Opereta es un diminutivo de la palabra ópera. Se considera como una derivación de la ópera bufa italiana y de la ópera cómica francesa pero con caracteres marcadamente inferiores.
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La opereta se distingue por sus argumentos jocosos, humorísticos, por su gracia y ligereza. Es una obra escénica con intervención musical, alternando los trozos cantados con los hablados. Los compositores vieneses fueron quienes más cultivaron este género, pudiéndose mencionar a Franz Lehar con la famosa "Viuda Alegre" y "El Conde de Luxemburo", Oscar Strauss, autor del "Soldado de Chocolate".
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La creación de la Opereta se le atribuye al francés Florimón Hervé, pero la popularidad y la difusión del género se le deben al compositor Jacques Offenbach, quien con sus obras de jocosos y picarescos argumentos, su música llena de ritmos espléndidos y melodías chispeantes, logró cautivar al público parisino de su tiempo. En sus obras Offenbach se burla y desmitifica los personajes y sus valores. Orfeo, personaje que con extraordinario cuidado y seriedad fue tratado por compositores como Monteverdi y Gluck, es totalmente transformado en la opereta "Orfeo en los Infiernos" de Offenbach. Otras operetas de este compositor fueron: "La Bella Helena" y "La Vida Parisina".
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En Austria, la opereta arraigó con un estilo propio en el que "el vals" se impuso como el ritmo de exportación de este país, al igual que años antes, el famoso "Can-Can" (predominante en las operetas de Offenbach) lo había sido en Francia.
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Otros destacados compositores de la opereta vienesa fueron Johann Strauss, Franz Von Suppé y Franz Lehar.
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La Zarzuela
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imilar a la ópera, la Zarzuela es una composición teatral solamente que en ella aparecen la declamación o diálogo recitado que alterna con los cantos acompañados por orquesta y coros.
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El origen de la Zarzuela es español, su nombre viene del "Palacio Real de la Zarzuela", residencia veraniega de Felipe IV, donde se hicieron las primeras representaciones por el año 1,830. Al principio se le llamó "Fiesta de Zarzuela" debido a la costumbre de presentarlas en el citado Palacio, el cual había sido construído en un pasaje cercano a Madrid que hasta ese entonces había estado cultivado de zarzas.
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La Zarzuela nació como una reacción en contra de la ópera, pues esta última contaba con personajes de tipo novelesco, lo cual no encajaba con las costumbres y espectativas de la población española. Por lo contrario, la Zarzuela se basaba en melodías y argumentos sacados de las tradiciones y costumbres propias del pueblo español.
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La Zarzuela, como forma musical, se derivó de la "tonadilla". La tonadilla era una pequeña obra escénica que se caracterizaba porque al final se presentaban algunas danzas de ritmo típico español, a las que posteriormente se les fueron intercalando canciones. Poco a poco la música fue tomando una importancia cada vez mejor hasta convertirse en lo que se conoce como "ZARZUELA".
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En las Zarzuelas predomina el factor "cómico" (es decir, no es ni trágica ni religiosa), generalmente está escrita en tres o cuatro actos, contiene diálogos, canciones para una sola voz, duos, tríos y coros.
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La Zarzuela evolucionó hacia obras más ligeras, enraizadas en la tradición popular madrileña dando lugar al nacimiento del llamado Género Chico.
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Existen dos clases de Zarzuela: el Género Grande y el Género Chico.
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El Género Grande es aquel en el cual las obras se desarrollan en todo su esplendor y magnificencia.
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Se denomina Género Chico al conjunto de obras drámaticas en un solo acto, de carácter cómico, que se solían representar como complemento de dramas o como espectáculo de base en el llamado Teatro por horas. El apogeo de este género se dio en España, en los últimos veinticinco años del siglo XIX.

La ópera

La ópera
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Es una especie de obra teatral en la cual los personajes en el lugar de hablar cantan sus papeles. La palabra "ópera" es el plural de "opus" que significa "obra".
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Sus primeras manifestaciones las encontramos en la época renacentista a raíz de los planteamientos de la "Camerata Florentina" que buscaba redescubrir las manifestaciones de la poesía cantada de la antigua Grecia.
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En una ópera encontramos una parte literaria que recibe el nombre de Libreto. El escritor de esta parte se conoce como libretista y muchas veces no es la misma persona que se encarga de la creación del aspecto musical.

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La parte musical es conocida con el nombre de Partitura y se debe al compositor. Una partitura comprende toda la escritura musical de todos los instrumentos que se utilizan en una obra. La parte individual de cada instrumento recibe el nombre de Particella. La unión de la parte literaria y de la parte musical de una ópera recibe el nombre de Espartito.
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En una ópera encontramos el canto de Arias (Canto solista con acompañamiento instrumental), Recitativos (partes con poco acompañamiento y líneas melódicas sencillas y sin mucho lucimiento), Dúos, Tríos, Coros, Intermezzos, etc.
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Toda ópera va precedida de una forma musical denominada Obertura.
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Existen diversos tipos de oberturas:
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Obertura temática, que se desarrolla sobre un tema de la ópera.
Obertura de tipo popurrí, que utiliza varios temas de la ópera y los interrelaciona.
Obertura de Concierto, que es la que se crea en forma independiente de una ópera.
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También es posible señalar diversos tipos de óperas:
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Ópera Seria, con argumentos abordados en forma seria y en sus inicios regularmente sobre aspectos mitológicos.
Ópera Bufa, con argumentos cómicos o que mueven a la risa. En Francia este tipo de ópera se conoció con el nombre de Ópera Cómica.
Singspiel, que es un tipo de ópera en idioma alemán.

Clase del sábado 19 de agosto (Historia II)

En la primera parte del período se realizó la primera prueba corta del semestre

Música guatemalteca de la época colonial

Acercamiento al desarrollo de la Música Colonial en Guatemala

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Las primeras manifestaciones musicales con las que tuvieron contacto los nativos guatemaltecos luego de la conquista española, fueron las de tipo religioso.  Se puede afirmar que el  Canto Gregoriano y la Polifonía religiosa, fueron de las primeras manifestaciones musicales escuchadas en Guatemala.  Aunque se debe mencionar también el hecho de la conquista pacífica de las Verapaces en las cuales, según los señalamientos históricos, fue a través del canto que se logró la evangelización que propició el posterior sometimiento pacífico.  En este sentido es posible afirmar que la forma musical que en mayor medida se utilizó fue el Villancico.
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Hacia finales del siglo XVI se mencionan a los primeros Maestros de Capilla nativos de Guatemala. En el área de San Juan Ixcoy se pueden mencionar a Tomás Pascual y a Francisco De León, así mismo es posible señalar algunas composiciones que se les atribuyen, entre ellas "¡Victoria, victoria!, atribuída a Tomás Pascual.

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Hacia el siglo XVII en el Repertorio de Catedral figuran obras del músico español Tomás de Torrejón y Velasco que anduvo por tierras americanas en donde se encuentra mucha de su producción (Perú, Bolivia y Guatemala entre otros países).

Durante la época Colonial es posible señalar a Rafael Antonio Castellanos, que fue el último maestro de Capilla que radicó en la Antigua Guatemala y el primero en desarrollar su labor en la Nueva Guatemala de la Asunción.
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También es posible señalar a la familia Sáenz, de la cual Vicente Sáenz es conocido maestro de Capilla de gran notoriedad, era violinista y organista. Sus "Villancicos de Pascua" y su "Salve" en fa, son de los testimonios del nivel de su obra. Hijo de Vicente es Benedicto Sáenz, que fue el primer maestro de enseñanza particular de música de Guatemala, y quien a su vez es padre de Benedicto Sáenz (hijo) que es uno de los primeros músicos clásicos de Guatemala.
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El primero de los músicos clásicos de nuestro país fue Eulalio Samayoa, que nació en la Ciudad de Guatemala de la Asunción en 1781. Desde pequeño se dedicó al estudio de la música. Fue uno de los primeros compositores latinoamericanos en incursionar en la escritura y composición de Sinfonías (su sinfonía N° 7 data de 1834 en tanto que la primera sinfonía escrita en Estados Unidos por George Bristow data de 1845. Debido a su destacado nivel en la composición de esta forma musical fue denominado "El Haydn guatemalteco". Fundó la Sociedad Filarmónica del Sagrado Corazón de Jesús, grupo orquestal que dirigió durante un tiempo. Así mismo estableció la celebración anual del día del Filarmónico, misma que se encuentra vigente hasta nuestros días. Murió en 1866.
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Benedicto Sáenz nació en la Ciudad Capital de Guatemala en 1815. Fue un excelente compositor que tuvo la suerte de viajar a Europa en donde estuvo en contacto directo con los avances musicales de la época. A su regreso a Guatemala puso en práctica lo aprendido con lo cual se logró un gran salto cualitativo en la composición guatemalteca. Después de 1842 dirigió conjuntamente con Eulalio Samayoa la Sociedad Filarmónica. Benedicto fundó, junto con su hermano Anselmo, una compañía de óperas con la cual presentó varias obras, y en este sentido su mayor trabajo consistió en traducir alguna óperas italianas al español para que las personas pudieran comprenderlas. Falleció en Guatemala en 1857.

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Entro los músicos que ilustran el Romanticismo Musical Guatemalteco se pueden mencionar a Ricardo Castillo (1894-1966) y a Manuel Martínez-Sobral (1879-1946).  El primero de ellos con evidentes tendencias hacia la música nacionalista con obras como:  La Doncella Ixquic, Paál Kabá, Estelas de Tikal, etc., y el segundo con obras altamente descriptivas, tal el caso de Acuarelas Chapinas.  También podemos mencionar al reconocidísimo compositor  Jesús Castillo (1877-1946), fue condecorado con las "Palmas de la Academia" por el gobierno de Francia debido a su trayectoria y a su trabajo sobre la Música Maya Quiché.

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Compositores del Periodo Romántico

Otros compositores del Período Romántico.

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Richard Wagner nació en Leipzig el 22 de mayo de 1813. Su padre, un funcionario modesto, murió seis meses después de su nacimiento. En agosto de 1814, su madre se casa con el actor Ludwig Geyer, de quien se especula podría ser el padre biológico de Wagner. Geyer murió cuando Wagner contaba con apenas 10 años. Se dice que fue Geyer quien le inculcó la pasión por el teatro y las artes. .A los quince años de edad Wagner descubre la música y decide dedicarse a este arte, por lo que se inscribe en la universidad de su ciudad natal en 1831. Entre los compositores que más le influyen destaca Ludwig van Beethoven. 

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 En 1833, Wagner termina su primer conjunto de óperas. Esta obra no fue interpretada durante casi medio siglo. En este periodo consigue ser nombrado director musical en las óperas de Wurzburgo y Magdeburgo. En 1836  se casa con la actriz Minna Planer. La pareja se traslada a Königsberg y después a Riga, donde Wagner ocupa el cargo de director musical.  Sumidos en las deudas, los esposos abandonan Riga de manera furtiva en 1839. Partieron hacia Londres y en el trayecto fueron víctimas de una tormenta que inspiró a Wagner Das Fliegende Holländer (El holandés errante). Los Wagner vivieron un periodo en París donde Richard gana su vida reorquestando las óperas de otros compositores.

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 En 1840, Wagner termina su opera Rienzi. Regresa a Alemania dos años después para estrenarla en Dresde, donde tiene un éxito considerable. Los Wagner se establecen en esta ciudad durante seis años. En este periodo Wagner pone en escena El holandés errante y Tannhäuser, sus primeras obras maestras.

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  La carrera de Wagner toma un giro inesperado en 1864, cuando el rey Luis II de Baviera accede al trono a la edad de 18 años. El joven rey, que admira la obra de Wagner desde su infancia, invita al compositor a Münich, paga sus cuantiosas deudas y apoya el desarrollo de su nueva ópera. A pesar de las dificultades, la presentación de Tristán e Isolda el 10 de junio de 1865 es un suceso contundente.

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En 1867 termina su ópera Los Maestros Cantores. Tres años después, Cosima (hija de Franz Liszt) se divorcia y contrae matrimonio con Wagner (quien también se ha divorciado), quien le ofrece el Idilio de Sigfrido con ocasión de su cumpleaños. 

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Durante varios años el filósofo Friedrich Wilhelm Nietzsche fue un amigo próximo de Wagner, sin embargo la relación terminó transformada en enemistad. . En 1877, Wagner inicia su última ópera, Parsifal. Tardó en componerla cuatro años, durante los cuales escribe también una serie de ensayos sobre la religión y el arte.

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Parsifal se estrena en enero de 1882. En esta época Wagner está gravemente enfermo. La familia Wagner viaja a Venecia en invierno. El 13 de febrero de 1883, Wagner muere a causa de una crisis cardíaca. Su cuerpo es repatriado e inhumado en el jardín de Wahnfried.

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Gioacchino Rossini

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Nace en Pesaro, Italia el 29 de febrero de 1792 el seno de una familia con algunos conocimientos musicales, que afianza en el conservatorio de Bolonia. Casi accidentalmente (a petición de unos amigos), comienza a componer óperas (1810) y, dado el éxito que logra, no dejará ya de hacerlo.... hasta 1829 año en que culmina su gran ópera Guillamue Tell.  Es conocido especialmente por sus óperas cómicas (en un famoso encuentro con Beethoven, éste le indicó que siguiese componiendo muchos "Barberos de Sevilla"), pero tiene también  numerosos aportes  en el mundo de la ópera seria (la bellísima obra "Tancredi", por ejemplo). Todo ello le hizo asumir el "trono" de la opera italiana, del bel canto de principios del siglo XIX, género que realza la belleza de la línea melódica por encima del drama o la profundidad emocional y por encima del interés armónico.

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A medida que avanzan sus composiciones, éstas van adquiriendo un mayor grado de dificultad vocal, tanto que desde mediados del siglo XIX hasta los años setenta del siglo XX, muchas de sus obras se creían imposibles de cantar.

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 La primera parte de su vida, se desarrolla en Italia, donde recorre las principales ciudades presentando sus óperas. En esta época se producen muchos de sus conocidos "pasticcios", o autoplagios que se producían porque tenía que componer numerosas obras cada año y, no estando las ciudades italianas bien comunicadas, se dedicaba a cortar y pegar trozos completos de óperas anteriores para presentarlas en el siguiente lugar de estreno. Destacan las composiciones que hizo (especialmente para el Teatro San Carlos de Nápoles) para una conocida cantante de la época, Isabel Colbran, con quien se casó y formó pareja musical durante muchos años.. Poco a poco va agotando los recursos de su composición italiana y, tras dos óperas que exijen el máximo virtuosismo y la mayor dificultad vocal (Semiramide y Zelmira), pero contienen también la máxima belleza, se desplaza por otras partes de Europa, radicando finalmente en París en 1825.. Esta segunda parte de su vida será muchísimo menos prolífica en lo musical que la italiana (en Italia, entre 1810 y 1823 compuso 34 óperas; cuando, por ejemplo, Verdi, tardó más de cuatro años en componer Aida). Comienza su época francesa con alguna ópera en italiano y sobre todo con la reelaboración en francés de óperas ya estrenadas en Italia. Culmina esta producción con una grandiosa  ópera en francés: Guillermo Tell (que tiene una duración de más de cuatro horas).   Desafortunadamente para el mundo de la música, ésta será su última ópera.  ¿Las razones?  se discuten varias pero sin ninguna seguridad:  Hastío, enfermedad, posición económica desahogada. Pero a pesar que no volvió a componer otra ópera, no abandonó el mundo musical pues se hizo cargo de la dirección de varios teatros franceses, y compuso algunas obras breves y  varias obras religiosas.. Rossini fallece en Francia el 13 de noviembre de1868.  Es enterrado en París inicialmente, pero al año siguiente sus restos son trasladados  a Florencia.

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Giuseppe Fortunino Francesco Verdi

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Nació en Roncole, Italia, el 10 de octubre de 1813  y falleció en Milán el 27 de enero de 1901.  Es uno de los compositores italianos de ópera del siglo XIX más conocidos y considerado el embajador de la ópera italiana ante el mundo. Es autor de algunos de los títulos más populares del repertorio operístico mundial: Rigoletto, La Traviata e Il Trovatore.

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Intentó entrar en el conservatorio de la ciudad de Milán pero no lo consiguió, por un lado debido a que ya tenía más de catorce años (edad máxima para ingresar) y por otro por que se consideró que tenia una mala técnica pianística (cosa difícil de corregir –según los examinadores- ya a su edad). Se puede decir que sus primeros éxitos están relacionados con la situación política que se vivía en Italia. Aparte de su calidad artística, sus óperas servían además para exaltar el carácter nacionalista del pueblo italiano. Quizás el Va pensiero (coro de los esclavos de la ópera Nabucco) es una de los coros más conocidos de Italia por esta razón. De esta forma, Verdi triunfa en Milán.

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Gracias a los éxitos conseguidos, Verdi puede apostar por un estilo más personal en sus óperas, y puede presionar a libretistas y empresarios a arriesgar y experimentar un poco más. Es notable, en este sentido, la forma como se engendró la ópera Macbeth, con unos arduos, e incluso despóticos, ensayos para lograr que el texto fuera más hablado que cantado. Verdi consigue su cometido y el éxito de estas óperas es también notorio.

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Sigue un período de dificultades personales, la muerte de su primera esposa y su hija, que contrasta con la creación de sus óperas más populares y queridas, las mencionadas Rigoletto, La Traviata e Il Trovatore.

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Muchos consideran que la madurez del compositor se percibe en las obras que siguen a este período; por ejemplo, Don Carlos, que fue compuesta para la Gran Ópera de París; Aida, compuesta para la Ópera del Cairo; Otello y Falstaff, con libreto de Arrigo Boito basado en Shakespeare. Algunas de estas obras no fueron bien recibidas por el público o los críticos, que las calificaron de demasiado wagnerianas, crítica que Verdi siempre rechazó.

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En sus últimos años  compone algunas obras no operísticas. A pesar de no ser particularmente religioso, compuso obras litúrgicas, como la misa de Requiem (1874) y el Te Deum. También compuso el Himno de las naciones, que incluye las melodías de los himnos italiano, francés e inglés, sobre texto del poeta Arrigo Boito (1862) y un cuarteto para cuerdas en mi menor (1873).

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Fallece en Milán, el 27 de enero de 1901, afectado por un derrame cerebral. 

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Compositores del Periodo Romántico I

Compositores del Período Romántico
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Entre los compositores de este período musical empezaremos por recordar a Beethoven, que como puente de paso entre los períodos Clásico y Romántico es el primero de los Románticos que se puede señalar. No debemos olvidar su Sinfonía N° 6 llamada "Pastoral" que ha sido considerada una de las primeras obras programáticas, y a su creador como el primer músico programático de gran categoría.
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Franz Schubert:
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Nace el 31 de enero de 1797 en Lichtenthal (Austria).

Comenzó a practicar la música dirigido por su padre, maestro de escuela. Algún tiempo después de trasladó a Viena y ahí completó sus estudios musicales en la capilla de la corte; sus progresos eran tan asombrosos que Salieri lo tomó bajo su dirección. A los 17 años escribió el lied "Margarita en la Rueca" que es considerada una de las canciones más perfectas que ha sido escrita. Hacia 1816 habia compuesto ya cinco sinfonias, cuatro misas y mas de quinientos Lieder.

Su adaptación de la forma del "Lied" a la música de piano es simplemente magistral; su "Momentos musicales", sus "Impromptus", y sus "Sonatas" son admirables.

Vivió en la pobreza. Era muy tímido por lo cual nunca se relacionó con la nobleza, y tuvo que vivir bajo la sombra que a sus obras le hacía el genio de Beethoven.

Durante toda su corta vida compuso rápida y febrilmente, de manera desbordante.

Murió en Viena el 19 de noviembre de 1928.

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Fredrich Chopin

Músico polaco, nació en Zelazowa Wola, cerca de Varsovia.   Hay dudas acerca de la fecha de su nacimiento, el año puede ser 1809 ó 1810 y el día el 22 de febrero o el 1 de marzo.

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Su talento musical se manifestó desde temprana edad.  A los seis años ya era un buen pianista, a los ocho se imprimió su primera composición:  Una polonesa.   Estudió composición en Varsovia y en  1830 salió rumbo a París en donde radicó.  Allí su música adquirió más profundidad.
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Ha sido considerado una parte importante del movimiento romántico, a pesar que él decía que le desagradaba el romanticismo.  Creía que la música de Liszt era vulgar y le desagradaba la de Schumann, Berlioz o Mendelssohn, pese a ser amigo de todos ellos.  Los dos únicos que significaron algo para él fueron Bach y Mozart.  

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Un aspecto muy importante de su estilo musical fue el nacionalismo polaco que se encuentra representado en las mazurkas y las polonesas.  Fue el primero de los grandes nacionalistas.   Era un compositor absoluto y siempre le asignó títulos abstractos y genéricos a su música. 
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Entre sus obras es posible señalar:  La polonesa Militar, El estudio de la Tecla Negra, La Pequeña Mazurka Judía, El Vals del Minuto, etc.  Aunque la mayoría de los  nombres que les asignó son genéricos:  Vals, Mazurka, Estudio, Polonesa, Nocturno, Fantasía, Balada, Impromptu, Polka, etc.

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Murió el 17 de octubre de 1849.
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Robert Schumann
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Compositor alemán, uno de los máximos exponentes del movimiento musical romántico del siglo XIX. Nació el 8 de junio de 1810 en Zwickau, Sajonia, y estudió en las Universidades de Leipzig y Heidelberg. Estudió Jurisprudencia (Derecho) carrera que en 1830 abandonó para dedicarse exclusivamente a la música.
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Estudió piano con el maestro alemán Friedrich Wieck, pero una lesión irreversible en uno de sus dedos terminó con su carrera de pianista. Se dedicó entonces a la composición y a escribir artículos sobre música. En 1834 fundó la revista musical Neue Zeitschrift für Musik, que estuvo siendo editada hasta 1844.
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Schumann se casó en 1840 con la pianista Clara Josephine Wiek, hija de su maestro. Clara Schuman fue un punto clave en la interpretación de su música para piano. Tras su boda se dedicó a componer canciones. Compuso ciento treinta y ocho de ellas.
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En 1850 fue nombrado director musical en Düsseldorf, pero una enfermedad mental, que padecía desde la adolescencia, le hizo renunciar en 1854. Ese mismo año intentó suicidarse arrojándose al Río Rin, tras lo cual fue ingresado en una clínica para enfermos mentales en Enderich, cerca de Bonn, donde el 29 de julio de 1856 murió.
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